SURREALISMO

El Surrealismo (en francés: surréalisme; sur [sobre, por encima] más réalisme [realismo]) o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir deldadaísmo, en la década de los

 años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.

LA PINTURA SURREALISTA

Masson adoptó enseguida las técnicas del automatismo, hacia 1923-1924, poco después de conocer a Breton. Hacia 1929 las abandonó para volver a un estilocubista. Por su parte Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Breton, «...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del surrealismo...»; inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Leonardo da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en una sola configuración. Óscar Domínguez inventó la decalcomanía (aplicar gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen). Además de las técnicas ya mencionadas de la decalcomanía y el frottage, los surrealistas desarrollaron otros procedimientos que incluyen igualmente el azar: el raspado, elfumage y la distribución de arena sobre el lienzo encolado.¹

ROBERTO AIZENBERG, Bobby, (n. 22 de agosto de 1928 en Federal, Entre Ríos; m. 16 de febrero de 1996 en Buenos Aires) pintor y escultor considerado como el más importante surrealista de la Argentina. Es representado por la galería Ruth Benzacar.

Roberto Aizenberg era hijo de un inmigrante ruso judío que se estableció en las colonias judías de Entre Ríos, en la localidad de Villa Federal, ahora conocida como Federal. Cuando tenía 8 años su familia se mudó a la ciudad de Buenos Aires, en el barrio de La Paternal. Allí realizó sus estudios secundarios en el Colegio Nacional Buenos Aires. Comenzó la carrera de arquitectura pero la abandonó para dedicarse a la pintura.

Sus comienzos fueron como alumno de Antonio Berni y luego más tarde con Juan Batlle Planas, quien le inculca el surrealismo, en la década del '50.

En 1969 el Instituto Torcuato Di Tella realizó una importante exposición retrospectiva de su obra (dibujos, collages, pinturas y esculturas).

Poco antes comenzó a convivir con la periodista y escritora Matilde Herrera y sus tres hijos. Luego de producido el golpe militar que dio origen a la dictadura conocida como Proceso de Reorganización Nacional, en 1976 y 1977, fueron secuestrados los tres hijos de su compañera y sus respectivas parejas; una de ellas, Valeria Belaustegui, estaba embarazada. Todos permanecen desaparecidos.

En 1977, a causa de la dictadura argentina de 1976-1983 debió exilarse en París. Una vez recuperada la democracia, volvió a Buenos Aires en 1984.

Murió en Buenos Aires el 16 de febrero de 1996 cuando preparaba una gran exposición retrospectiva de su obra en el Museo Nacional de Bellas Artes.

CIRO MADUEÑO

Velasco es un artista de Ayacucho, Perú, que a desarrollado su estilo surrealista y expuesto a todo el mundo, el gran dominio del color, que se combina con la creatividad de sus composiciones, su originalidad y su técnica en la realización de su obra que le ha dado un reconocimiento como un artista excepcional en estos tiempos.

Ciro Madueño Velasco, nació el 12 de enero de 1943, en Sancos (Ayacucho - Perú). Hijo de Felix Madueño y Dora Velasco, y 10 hermanos que conformaron su gran familia. Desde su infancia, su sencibilidad artística se fue nutriendo y desarrollando a tierna edad, gracias a la sencibilidad que su madre manifestaba por las diferentes formas de expresión del arte en general, la misma que ella le sabia inculcar con paciencia y con el diluyente incomparable del amor.

Ciro Madueño señala que su vocación por la pintura se impuso desde el colegio. Cuando cursaba la escuela secundaria en la Gran Unidad Escolar de San Ramón, en la ciudad de Tarma «la perla de los Andes», donde tuvo la oportunidad de realizar telones y murales que aun perduran como testimonio de sus primeros pasos artísticos. Al terminar los estudios los estudios secundarios, se inscribio en la Escuela Nacional de Bellas Artes, en Lima, al tiempo que cursaba estudios de economía por influencia de su padre. Aunque finalmente tuvo que dejar los estudios de economía para finalizar los de pintura. La primera tendencia que obtuvo fue la clásico-figurativa, la cual imperaba por entonces en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Culmina este periodo con una exposición en el Concejo Municipal de Tarma, a la edad de 19 años. Por ciertos motivos ajenos a Ciro Madueño, abandonó momentáneamente la pintura y se dedicó a la creatividad industrial fabricando novedosos e ingeniosos juguetes educativos, alternando también, con la fabricación de estilizados muebles ejecutivos. Pero abandonó tal experiencia y decidió viajar a Europa.

EXPOSICIONES

• 1969 Salón de la Municipalidad de Tarma - Perú
• 1977 Colectiva en París - Francia
• 1980 Feria Industrial en San Cristóbal - Venezuela
• 1981 Club de leones de San Cristóbal - Venezuela
• 1981/1982/1983 Hotel Tama, San Cristóbal - Venezuela
• 1984 Consulado General de Venezuela, Cúcuta - Colombia
• 1985 Inauguración del Colegio Don Bosco, San Cristóbal - Venezuela
• 1986 Salón de lectura, San Cristóbal - Venezuela
• 1986 Inauguración de la galería Matiz en el centro cívico, San Cristóbal - Venezuela
• 1986 Colegio de ingenieros, Maracaibo - Venezuela
• 1987 Country Club “El Lago”, Maracaibo - Venezuela
• 1987 Colegio de profesionales de enfermería, Caracas - Venezuela
• 1993 Inauguración de la galería Arte “Jordy”, Bogotá - Colombia
• 1994 Fundación Alzate Avendaño “Eclectia”, Bogotá - Colombia
• 1995 Galería Salón de Artistas Santandereanos, Bogotá - Colombia
• 1996 Noches de Arte, residencia del pintor, Bogotá - Colombia
• 1997 Exposición Colectiva, residencia del pintor, Bogotá - Colombia
• 1998 Instituto Universitario de Tecnología industrial Rodolfo Loero Arismendi, Valera - Venezuela
• 1999 Taller abierto, residencia del pintor, Bogotá - Colombia
• 2000 Inauguración de la galería “Sin Limite”, Lima - Perú
• 2001 VI Biennale Internationale Des Po’eles en Val De Marne (Homenaje a Pablo Neruda), París - Francia
• 2002 Asociación Cultural “Sexto Continente”, París - Francia
• 2004 Galería “Exhalart”, París - Francia
• 2005 Meudia Studio, Lyon - Francia
• 2007 Casona Cultural de San Marcos, Lima - Perú
• 2009 Restaurante ‘MI PERÚ’, Bogotá - Colombia

FRANCISCO TOLEDO

En la década de 1950, inicia sus estudios artísticos en la gráfica, en el taller de grabado de Arturo García Bustos. Posteriormente ingresa al Taller Libre de Grabado de la Escuela de Diseño y Artesanías, del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), en la Ciudad de México. En 1959 exhibe sus obras en la Galería Antonio Souza y en el Fort Worth Center, en Texas.

Considerado uno de los mejores artistas vivientes de México, Francisco Toledo es inigualable. Es un experto impresor, dibujante, pintor, escultor y ceramista. Su arte y plástica refleja una gran apreciación por la estética de la naturaleza, particularmente la de animales que no son convencionalmente asociados con la belleza (murciélagos, iguanas, sapos, insectos). La visión moral de Toledo afirma que el mundo de los humanos y el de los animales son uno con la naturaleza. Toledo muestra un sentido de lo fantástico muy bien desarrollado al crear criaturas híbridas, parte humanas y parte animal, a la vez monstruosas y juguetonas, sus hermosos papalotes, libretas artesanales, máscaras, joyería e intrínsecos grabados son otra muestra de su genialidad.

El artista zapoteco se ha dedicado a promover y difundir la cultura y las artes de su estado natal, Oaxaca, donde actualmente reside. Con apoyo de otras instituciones funda en octubre de 1997 el Taller Arte Papel Oaxaca, instalado en la antigua planta hidroeléctica "La Soledad". Dentro de este contexto, fundó Ediciones Toledo, que en 1983 publicó su primer libro, y en 1988 creó el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO). Fue ganador del Premio Nacional de Bellas Artes en 1998.^[1] A iniciativa suya se abre el 20 de marzo del 2006 CASA (Centro de Artes de San Agustín) en Etla, Oaxaca en donde se estudia fotografía, gráfica digital, diseño textil, educación a distancia, la preservación del patrimonio y el arte, enfocados también al medio ambiente. En 2005 recibe El Premio al Sustento Bien Ganado por dedicarse a la protección y mejora de la herencia, ambiente y vida de la comunidad de su natal Oaxaca. Hay obras suyas en los Museos de Arte Moderno de México, París, Nueva York y Filadelfia, en la New York Public Library, la Tate Gallery de Londres y la Kunstnaneshus de Oslo, entre otros. Ha ilustrado varios libros, y ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en ciudades como Nueva York, Londres, París, Ginebra, Oslo, entre otras.

ROBERTO MATTA

Nació en Santiago de Chile el día 11 de noviembre de 1911 (11.11.11), cifra que utilizaría con frecuencia en su carrera artística.^[3] Estudió en el Colegio de los Sagrados Corazones de Santiago, en ese entonces su vecino fue Nemesio Antúnez en esos años es también donde comienza a destacar con sus notas en dibujo y caligrafía. A inicios de la década de 1930 participó en algunas manifestaciones contra Carlos Ibáñez del Campo, igualmente realizó el servicio militar en el Regimiento Coraceros de Viña del Mar, reprimiendo las manifestaciones en las que antes había tomado parte, lo que le provocó un gran sentimiento anti-militar.

Tomando conciencia de las diferencias sociales, a través de las distintas realidades de sus compañeros, se distanció de su familia.

Cursó sus estudios universitarios en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Chile, complementando sus estudios con trabajos relacionados al arte, trabajó incluso en la Revista Topaze, en esa epóca pintó cuadros al óleo, casi todos extraviados, a excepción del dedicado a su "nana" Mercedes. Su elección por la arquitectura no fue casual, pues era la disciplina "tradicional" más cercana al arte.

Se destacó por su creatividad en sus estudios universitarios, creando lazos con sus profesores, como Sergio Larraín García. En paralelo asistía a clases vespertinas de dibujo a mano alzada en la Escuela de Bellas Artes. Ahí fue alumno de Hernán Gazmuri, quien venía llegando de Europa.

Mientras cursó sus estudios secundarios, intentó unir en sus proyectos sus estudios con el dibujo. Realizó planos arquitectonicos basados en desnudos femeninos. Según Nemesio Antúnez en los trabajos "presentaba la curva de la espalda en un plano donde proyectaba el living y el comedor, la cabeza era una terraza con vista al mar, los muslos encogidos eran dormitorios y los pies juntos eran los baños". Estas ideas fueron bien acogidas por sus profesores, quienes lo calificaron como un alumno dotado de gran imaginación.

Luego de titularse de arquitecto, partió a Europa. En el viejo continente conoció a artistas de la talla de Salvador Dalí, René Magritte, André Breton y Le Corbusier.

Precisamente fue Breton quien estimuló al artista chileno, valorando su trabajo e introduciéndolo en el círculo de los principales miembros del movimiento surrealista de París. Matta produjo ilustraciones y artículos para el periódico surrealista Minotaure. Durante este período trabó amistad con prominentes artistas contemporáneos europeos como Picasso y Marcel Duchamp.

OBRAS

Entre sus principales obras cabe destacar:

• Morfologías sicológicas (1938-1939)
• Pista fabulosa de la muerte (1941)
• El vértigo de Eros (1944)
• La cuestión Djamile (1958)
• La vida Allende la muerte (1973)
• El primer gol del pueblo chileno (1971)

El 15 de septiembre de 2008 la pintura al óleo “Allende de la muerte a la vida”("Pasage de la mort á la vie", 210 x 390 cm 1973-1974), fue donada por su viuda y albacea de su obra, Germana Matta al Museo Salvador Allende de Santiago de Chile. Esta obra corresponde a una época histórica en Chile, tras el golpe militar el 11 de septiembre de 1973.

PÁVEL CHELISHCHEV
Nació en el distrito de Kaluga, cerca de Moscú en la finca de su familia aristocrática. Fue educado por una serie de tutores franceses, alemanes e ingleses, que animaron a su interés por las artes. Su padre, seguidor de los principios tolstoianos, apoyó su deseo de ser pintor. Debido a los puntos de vista liberales de su padre, sin embargo, la familia fue expulsada de su propiedad después de la Revolución de Octubre (1917).
Chelishchev se unió al Movimiento Blanco, y la familia huyó a Kiev, que aún no estaba bajo control comunista. Mientras, en Kiev estudió con Aleksandra Ekster y produjo sus primeros diseños teatrales.
Hacia 1920 estaba en Odesa, escapando del avance del Ejército Rojo. Llegó a Berlín vía por Estambul. Ahí conocería a Allen Tanner, un pianista estadounidense, y se hicieron amantes. En 1923 se trasladaron a París y Chelishchev comenzó a pintar retratos de la élite vanguardista y homosexual.
Chelishchev desarrolló una predilección por los azules y rosados escandalosos, llamándose a sí mismo el "Príncipe del Mal Gusto."
Gertrude Stein relató su entrada en el Salon d'Automne en 1925, con Canastas de Fresas (1925), y compró todo su contenido de su estudio. Además de convertirse en un experto pintor, también se convirtió en el más innovador de los diseñadores escénicos de su época y diseñó ballets para Serguei Diaghilev y los Ballets Russes en París.
El debut americano de Chelishchev fue en una exposición grupal de dibujos en el MOMA de Nueva York en 1930. En 1934 se trasladó a esa ciudad con su nuevo amante, el escritor y crítico Charles Henri Ford, y expuso en la Julien Levy Gallery. Él y Ford estuvieron en el centro del mundo social de homosexuales importantes, tales como Lincoln Kirstein, para quien también diseñó ballets. Continuó su trabajo como diseñador para el nuevo American Ballet de George Balanchine y para A. Everett "Chick" Austin, su amigo y director del pionero Wadsworth Atheneum en Hartford, Connecticut.
En 1952 Chelishchev se hizo ciudadano estadounidense, pero poco después viajó a Frascati, Italia. Sufrió un ataque al corazón en 1956 y murió el 31 de julio de 1957 en Roma, con Ford al lado de su lecho.
Estilo
Si bien Chelishchev fue educado en el dibujo tradicional clásico, sus primeras influencias fueron el cubismo y el constructivismo. Pronto reaccionó contra su énfasis en las formas geométricas de conos y cubos y comenzó a trabajar con curvas, una decisión que le llevó a su estilo representativo, que usa cada elemento tradicional de anatomía y perspectiva.
En 1926 fue incluido en la Galerie Druet, París, en un grupo que mostró el título que dio lugar a la apelación "Neo-Romántica," una designación aplicada a la combinación amorfa de pintores figurativos de varios temperamentos y actitudes. El artista siempre desaprobó el término; y a pesar de las semejanzas de su obra con la artistas tales como Salvador Dalí, siempre negó toda asociación con el Surrealismo.
Phenomena (Fenómenos, 1936-1938), la primera pintura de una serie proyectada de tres obras importantes, despertó violentas reacciones debido a su espeluznante color y representación de personas entonces aún vivas (entre ellas un autorretrato e imágenes de Gertrude Stein y Alice B. Toklas). La más prominente de las figuras masculinas desnudas en esta pintura es Nicholas Magallanes, un modelo preferido, que más adelante sería un bailarín famoso.
Su segundo trabajo, Hide and Seek (Esconde y busca, 1940-1942), una pintura llamativamente roja de un árbol enorme integrado por partes del cuerpo humano, sigue siendo una de las pinturas más populares en el MOMA. El trabajo final en la serie nunca fue acabado.
El estilo último de Chelishchev se desarrolló como resultado de su búsqueda por los "paisajes interiores" inspirados por las metamorfosis del cuerpo humano.
Sus trabajos incluyen, además de los desnudos bien conocidos tales como Tattooed Man (1934), un número de bosquejos a lapicero a tinta que ilustran el deseo homoerótico, algunos de los cuales están en la Colección Kinsey de arte erótico.
El artista también realizó ilustraciones en acuarela de la novela gay de Ford and Parker Tyler, The Young and Evil (1933). Aquellas ilustraciones no fueron publicadas con el texto hasta 1988.
La reputación en la crítica de Chelishchev decayó en los años 1950 y los años 1960 junto con la caída del interés en el arte figurativo. La retrospectiva que fue una exposición abierta en la conservadora galería Huntington Hartford del MOMA en 1964 fue la útlima muestra de su carrera hasta la exhibición de 1998 exhibition en el Museo de Arte Katonah en Katonah, Nueva York